纽约的夏天终于还是来了～炎热的夏天出门当然还是要去博物馆跟画廊避暑呀～又可以乘凉又可以培养艺术细菌的活动，可以说是酱酱最好的选择了～这个月又有哪些厉害的新展呢？一起来看看吧！
1 | The Whitney's Collection
Selections from 1900 to 1965
图片来自whitney.org
惠特尼的新展又来啦～这次的展览共有120多件作品，完全来自惠特尼博物馆的收藏品，其灵感来自博物馆的创始历史。惠特尼于1930年由雕塑家和赞助人Gertrude Vanderbilt Whitney创立，旨在支持美国艺术家的作品。
惠特尼夫人既认识到当代美国艺术的重要性，也认识到支持这些美国艺术家的必要性。她收藏的展品以艺术家如何独特地揭示美国生活的复杂性和美丽为前提。
展览开始于一个专门从博物馆的创始系列中选择，然后通过主要艺术历史运动和流派编织的画廊。这些作品表明了惠特尼的收藏品是一种充满活力的文化资源，使我们能够不断重塑美国生活和艺术生产的历史。
2 | Jenny Jaskey & Mia Locks
Living In a Lightbulb
图片来自tanyabonakdargallery.com
Tanya Bonakdar画廊很高兴推出由Jenny Jaskey和Mia Locks策划的Living in a Lightbulb，这是一个由两部分组成的展览，位于画廊的纽约和洛杉矶分部。展览中的艺术家利用光和热代表夏天的感觉，强调我们遇到这些现象的缓慢、动态的过程。
一些艺术家以太阳光为原料制作图像。其他人则指出能量向导和调节时间和行为的方式。Living in a Lightbulb是一个不稳定的，从根本上相互依存的主张。
纽约展览中的作品包括Bill Jenkins的特定场地装置，将日光从画廊的前窗一直导向后室。这个光的雕塑照亮了Scott Lyall的Cosmos，一个由光线反射的图像，反射了嵌入在NanoFoil中的微弱信息。Lisa Oppenheim的作品是在一天的不同时间捕捉海洋和天空。Olafur Eliasson悬浮的旋转球体发出朦胧的单频橙色光芒。
3 | Jen Stark
Dimensionality
图片来自joshualinergallery.com
这是Jen Stark与Joshua Liner画廊合作的首次个展。这位洛杉矶艺术家把白色立方体变成万花筒般的色彩。
在她的作品中，Stark平衡了光学诱惑和感知互动。Stark的作品充满动力，起伏的效果，类似于有机物、分子结构或云状结构。乍一看，艺术家的作品和生动的色彩显得异乎寻常，超凡脱俗，然而实际上它们都是基于自然世界。鲜艳的色彩灵感来自花促进授粉的引诱或驱虫特性、昆虫警告鸟类的有毒特质，以及磷光海洋生物的明亮特质，而视觉系统模拟植物生长、进化、和分形，模仿地形和神圣的几何形状。
数学，科学和物理学领域极大地影响了Stark，诸如对视错觉，斐波那契序列，分形和黎曼几何等概念探索了平坦宇宙中弯曲空间的理论。
4 | Mika Rottenberg
Easypieces
图片来自newmuseum.org
Rottenberg采用荒谬的讽刺来描绘我们这个时代的关键问题，制作视频和装置艺术，为当代生活提供颠覆性的寓言。
她的作品交织了纪录片元素和小说，并经常扮演主角，他们在工厂般的环境中制作商品，从养殖珍珠（NoNoseKnows，2015）到数百万在中国超市销售的鲜艳塑料批发商品（Cosmic Generator，2017）。
该展览展示了她最近的几个视频装置和动力雕塑，并首次展示了一个新的视频装置，Spaghetti Blockchain（2019），它探索了关于唯物主义的古老和新思想，并考虑了人类如何构成和操纵物质。展览中的作品共同追溯了Rottenberg作品的核心主题，包括劳动力、技术、距离、能量以及机械和物质的相互联系。
5 | Marta Minujin
Menesunda Reloaded
图片来自newmuseum.org
在过去的60年里，具有划时代意义的阿根廷艺术家MartaMinujín开始了大量影响拉丁美洲及其他地区当代艺术家的事件、表演、装置和视频作品。
Minujín结合了实验剧场、电影和电视、广告和雕塑的元素，创造了将观众置于社交场合中心的整体环境，并以媒体形象和名人文化的诱惑力面对这种大环境。
作为阿根廷艺术中最强烈的声音之一，Minujín在20世纪60年代出现，经常拒绝制造持久的作品，而是反对体制结构。她同时富有纪念性和脆弱性的作品挑战了艺术惯例，同时证明了她对激进艺术形式和流行文化艺术的深刻体验。Minujín激发敬畏和惊喜的能力巩固了她作为拉丁美洲概念艺术先驱的声誉。
6 | Wonder World
图片来自wonderworldspace.com
还记得去年夏天超火的Wonder World吗～发光的月亮泡泡池，粉嫩的蘑菇房间、浪漫的花海；每个场景都又美又仙，真的好像身临仙境一样～今夏Wonder World迎来纽约的第二场啦。比原来三倍大的空间、十一个全新的场景、互动又好拍的装置艺术，直击酱酱的少女心～
这次的展览位于布鲁克林最艺术范儿最潮的Williamsburg区，脱离了曼岛的繁忙拥挤，空间变得非常大～在Williamsburg附近活动的小伙伴，也很难不注意到这个新的pop-up。它的外墙全部被刷成了少女粉，远远的就看得到，十分引人好奇。
这次的展览由James Hsieh、Cali D. Kurlan、Chuanjiao Yu、Daria Zhest、Julia Sub、Michelle Le Nguyen、Sidi He、Velvet Floral、Yi-Hua Wang 十多位艺术家、设计师联手打造。每个人都参与部分场景和整体展览的构想，让整个展览既突出个人风格又整体融合的非常和谐，感觉怎么拍都是大片呢～
7 | Miao Xiaochun
Gyro Dance
图片来自galleryek.com
缪晓春是中国新媒体艺术浪潮的核心人物，这是他与Eli Klein画廊合作的作品个展。本次展览由绘画，雕塑和动画视频作品组成，代表他了十多年的探索和实验，以应对越来越多的新兴科技——尤其是3D打印技术的适应过程。缪晓春的陀螺舞系列是一种高能量的心灵和感官盛宴，是一种未来主义的表现。
自从希腊哲学家毕达哥拉斯声称世界的基本组成部分是数字以来，人类就没有从像素化的成瘾中回归。
在陀螺舞蹈中，缪晓春对这个问题进行了自己的处理，人与机器成为了世界的共同创造者：作为一个双向的组合，他们利用任意向量作为缪晓春世界的基本构件。而他的绘画、雕塑和录像作品都是建立在这个载体上的。
8 | Jean-Luc Moulène
More or Less Bone
图片来自sculpture-center.org
这是Jean-LucMoulène在SculptureCenter的个展。是其在玻璃纤维和环氧树脂涂料方面的一项重大新作品。展览是该艺术家自2011年以来首次在北美举办的画廊展览。
Moulène坚持认为，没有条件和限制，没有物质、经济、历史和身体条件，就不存在任何艺术作品。对于More or Less Bone，Moulène务实地将他的作品的制作集中在这些条件上，通过利用先进的工程程序，制作“一件只有它自身存在条件的作品”。
Moulène与来自Aerospace Valley的工程师密切合作，在正式优化方面拥有先进的专业知识，其中对象的形式通过一个过程来定义，该过程在给定一组离散变量的情况下确定最佳的解决方案。这种优化的结果，是一个看起来非常像骨头的作品。如果艺术作品与特定时刻的社会或物质矩阵一起存在，那么Moulène的More or Less Bone假定优化生产的条件将一切形式特征指向骨骼——肉体，刮干净，坚硬，无浪费——是绝对最低限度的必须品。
9 | Fiona Conner
Closed for Installation
图片来自sculpture-center.org
洛杉矶艺术家Fiona Connor重新塑造了被忽视的日常物品，包括公告牌、公园长椅、社区布告栏、封闭式俱乐部的门、房地产标志、市政喷泉等。她对这些物品的来源，它们是由什么制造，是谁以及为谁制造，以及艺术家发起和维持的关系，以重现作为艺术品的物品的兴趣。
Connor也正在制作一套交互作品，将艺术家在各种雕塑作业中的精力集中在广阔的制作、维护和展示领域。在画廊中，她展示了许多青铜件，复制了安装展览所需的工具，如卷尺，油漆托盘，小车和纸板废料。
虽然Conner的作品引用了艺术历史的手段和方法，但它们是通过她在一个领域中对雕塑的弹性进行深入探讨而来的，该领域在产生作品的各种条件下扩展和收缩。这些不仅包括多个站点，如工作室、代工厂、机构和图书馆，还包括多组关系和劳动模式——合同，工业，情感和其他。
10 | BTS
’24/7 = Serendipity (오,늘)’
Worldwide Handsome的韩国男团防弹少年团BTS，前阵子来纽约可是掀起了一阵大风！从帝国大厦点灯、到参加《早安美国》中央公园免费演唱会，可让纽约客们见识到了Army的力量！这个7月，BTS在布鲁克林还有专门的展，粉丝千万记得去拍～
各色的成员照片、MV里熟悉的场景，比如Spring Day里面的Omelas旅馆，比如Magic Shop里面那个典当铺一样的门面～还有适合拍照的无限镜、霓虹灯，让纽约的Army为之疯狂～
