芭蕾舞女于德加，就像睡莲之于莫奈。不过，古今中外，喜欢画芭蕾舞者的可远不止德加一位。
绘画中的极简“芭蕾史”：从凯瑟琳王后到“太阳王”路易十四
15世纪，意大利宫廷诞生了在宴会间歇表演的舞蹈形式“席间芭蕾”。
1533年，弗罗伦萨新贵族，赫赫有名的美第奇家族把凯萨琳公主嫁给了后来成为亨利二世的法国王子，成为王后的凯萨琳因留恋家乡的宫廷生活，便将许多意大利音乐家和舞蹈大师带到巴黎宫廷，宫廷芭蕾开始大规模传入法国。西方古典芭蕾史上第一部完整的芭蕾舞剧《皇后的喜剧芭蕾》便在半个世纪后的1581年诞生。
到了路易十四执政时期，这位国王酷爱舞蹈，曾在26部芭蕾作品里担任主角。15岁时，他在其意大利籍宫廷乐师让·吕利创作的舞剧《夜芭蕾》中，饰演希腊神话中的太阳神——阿波罗，从此便自号“太阳王”。
这是路易十四在《夜芭蕾》中的太阳神造型
路易十四使芭蕾成为当时法国的宫廷时尚。他还创立了历史上第一所舞蹈学校——法国皇家舞蹈学院。首任院长是他的芭蕾舞老师及搭档皮耶尔·波尚。自此，自娱性的舞蹈活动逐渐发展为专业性的表演艺术，波尚确立了芭蕾的五个基本脚位和十二个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。
1713年，路易十四创立的法国皇家舞蹈学院发展成为巴黎剧院，芭蕾舞剧开始逐渐走出宫廷，在城市中风靡，成为剧场艺术。首批专业的芭蕾舞演员也应运而生。
尼古拉·朗克雷（Nicolas Lancret）用洛可可风格，描绘了当时的芭蕾明星们在田间翩翩起舞的样子，轻松而诙谐。
尼古拉·朗克雷（Nicolas Lancret）作品
尼古拉·朗克雷（Nicolas Lancret）作品
19世纪初，巴黎迎来“浪漫芭蕾”的黄金时代，先后出现以《仙女》《吉赛尔》《葛蓓莉娅》为代表的传世之作。今天，我们在舞台上看到的芭蕾舞表演与19世纪的芭蕾舞十分接近。比如用脚尖跳舞，舞者穿着蓬松的短裙（tutu裙）等特征就是19世纪确立起来的。
19世纪的巴黎是艺术的天堂，世界上最好的艺术家几乎都聚集于此。印象派绘画在这里兴起，莫奈、德加，梵高、雷诺阿、高更等一大批画家，开始与巴黎展开了一段不解之缘。
埃德加·德加登场
在大多数艺术史书籍中，德加都被划分到了印象派里，但他自己却不肯承认。
先来看几幅他的作品：
德加作品
德加作品
德加作品
德加作品
德加的画，构图十分奇特，常采用俯角视点，使绘画空间歪斜，人物被切割或遮挡，看起来，好像是不经意间拍摄的照片。
德加作品
德加作品
德加作品
如果仔细去看德加笔下的芭蕾舞者，会发现她们无论从体态还是面部表情，都与我们脑海中对芭蕾舞女演员高贵、典雅、优美的想象相距甚远。
这是因为在19世纪中叶，芭蕾舞女演员这一职业并不像今天这样光鲜，她们大多来自社会底层，歌剧院新招入的学员中，有一半以上没有父亲，母亲通常是洗衣女。正是这些身处社会底层的芭蕾舞者，令德加一生钟情，在几十年的光阴中，孜孜不倦地为她们描绘了近千幅姿态各异的画。
德加笔下的歌剧院人生百态
1834年，德加出生于巴黎的一个富裕家庭，比马奈（Manet）小两岁。他的祖父也是一位画家，父亲则是银行家和艺术爱好者，支持儿子的学业。19世纪50年代，德加曾到意大利一所美术学校学习，在意大利学习期间，他在安格尔的一位得意门生路易·拉莫特(Louis Lamott)的画室里学画，得到古典主义一代宗师安格尔的忠告：“年轻人，你要想出人头地就要画素描，要凭记忆和写生画画，要多画线条。”之后德加便勤于练习素描。1862年，德加与爱德华·马奈相识，后者将他介绍到了印象派画家的圈子里。
德加素描
德加素描
此时，法国产生了极为富裕的资产阶级。 马奈，德加，塞尚，塞维涅河都是富家子弟，他们不需要迎合任何人，可以自由创作。正是由于马奈的影响，德加才将绘画的主题转向当代生活，比如他笔下的咖啡馆，剧院和舞蹈。
他们经常在一起喝喝咖啡泡泡吧，假期还一起去布罗涅森林的郎香赛马场或歌剧院。在人们专注于活动的内容时，德加注意的却是赛马场内疾奔的马匹和舞台上挥汗的芭蕾舞者，他希望能将她们瞬间的姿态表现在油画布上。
德加1878年的画作《舞台上的舞女》（ L’Etoile ）
德加1878年的画作《舞台上的舞女》（ L’Etoile ）是他最著名的作品之一，描绘了演出结束后女演员的谢幕。强烈的舞台灯光反射在舞者雪白的皮肤上，在她线条流畅的颈部上系着一条黑色缎带，一袭白裙点缀着红花，头戴花冠，双颊红润。这是从高处俯视的画面。前景大量留白，空荡荡的舞台上只有这一个舞者，从画面上，我们甚至可以感受到女演员的陶醉。在画面左侧的窗帘后，有一个男人，在一旁平静地看着她。这是年轻舞者的金主。德加的舞女画中经常出现一两个这样的头戴礼帽身穿晚宴服的绅士，这些绅士有时和舞女交谈，有时则是站在一边对舞女上下打量。
德加刚开始创作舞女画时，也是与普通观众一样坐在观众席上观看，远远的俯视演员们：裁剪、短缩法以及光影的强烈对比使画作极具创新性。后来，德加得以进入后台，以更近的距离观察他“心爱”的芭蕾舞者。
据好友沃拉尔回忆，德加曾说过：“人们称我是画跳舞女孩的画家。他们从不知道，我对舞者的主要兴趣在于舞蹈动作和她们漂亮的衣服。”
舞蹈教室 德加 法国 帆布油画 1874年 100x140cm 纽约大都会艺术博物馆
乍看这幅画，满屏的槽点：场面拥挤不堪，让人看得眼晕；舞女要身材没身材、要脸蛋没脸蛋……
再仔细看：德加为了把他想要强调的空间放大，特意选择了大厅里一个斜向视角，还把天花板的一角截断封住画面边缘。
由于画面中人物较多，德加还特意将排练厅的大镜子置于画面中央，从而加强空间纵深感，这种构图法在当时非常新颖。
空间和人物渐次向深处展开，近景处是几个正在做准备的舞女，她们或是整理裙摆、或是咬手指，神情略显紧张，位于中景的，是一位手拄拐杖的白发老人。他叫于勤•佩罗，是这里的总教头，正在指导舞者做动作。
相比之下，远景处的舞女们显得放松很多。聊天的、放空的、叉腰看热闹的。这一切都真实而自然，就像是用相机抓拍到的一瞬间一样。
值得注意的是，远处角落里那几个衣着光鲜的妇人。有人认为她们是舞女们的妈妈或者亲友团，但我表示怀疑。我们前面说过在当时的法国，芭蕾舞演员属于劳工阶级，没什么地位，那些七八岁就开始学舞的女孩子可不是参加什么课外兴趣班，而是为了混口饭吃。
而对巴黎上流社会而言，观看芭蕾舞是一种流行的消遣。除了老爷们，交了会员费的阔太们也可以自由进出演员更衣室，或者去后台看彩排。。
像这样构图的画在巴黎奥赛博物馆也有一幅，画作名称为《舞蹈课》，那是1874年德加在第一届印象画展的参展作品。德加参加了全部八届印象派画展的七届(除第七届外)，是不折不扣的印象派元老，但他自己却始终不肯承认自己属于印象派。
舞蹈课 德加 法国 1873-1876年 画布油画 85×75cm 巴黎奥赛博物馆
《舞蹈课》是“把印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中”的最典型画作。第一眼就看到了扭动着身子，在背上抓痒的黄丝带女孩 。 大多数女孩都是侧着身的，但从观看者的角度来观察这些舞者并不费力，这就是利用画幅空白的一个好例子。
这两幅都是巴黎舞蹈教室芭蕾舞考核的场面，德加从来没有去过这样的考场，只是根据传说画出了这一紧张繁杂的场面。二十几个少女的动作全部来源于德加平常数不清的舞女写生。 美国旅法女画家卡萨特评价说：这两幅画的素描技巧超过了荷兰杰出的风俗画家维美尔。
1874年4月15日，埃德加·德加著名的纯灰色画《舞台上的芭蕾舞排练》在震惊法国画坛的 “首次印象派画展”中亮相。画作描绘了一群芭蕾舞女演员在剧院舞台上鲜为人知的彩排活动。
画中右侧的留白巧妙地通过画面对角线制造出剧院舞台纵深的透视空间。 德加以一个仿佛处在剧院包厢中俯视按下相机快门的构图捕捉下芭蕾舞演员们在幕后真实的勤学苦练与百无聊赖。
埃德加·德加著名的纯灰色画《舞台上的芭蕾舞排练》
这就是德加笔下的芭蕾舞女。为了观察这些人群，德加也成为了会员， 然而，他的兴趣从来都不在这些舞女的个人身上，他关注的只是捕捉她们的动态，所以他的舞女们基本上都看不清楚脸，分不出谁是谁。
他无意表现她们的故事，甚至无意表现她们优美的姿态，他只是为他笔下的线条找一些可以安放的形体罢了。他的画中人那么地自然，仿佛叙述者并不存在。因为这样，他描绘出了最真实的歌剧院人生百态。
德加为何爱画舞女？
舞女帮助德加在印象主义所提倡的市井题材和他所喜爱的古典形体中找到了平衡。
芭蕾是调动和展示人类形体动作最充分的运动,从头到脚都要用到，因此也有着非常复杂的动作体系。德加类似于印象派中的米开朗基罗，对于美好的肉体非常痴迷，他就一天天在芭蕾教室里，看舞蹈演员做不同动作时肌肉如何伸展，身体线条是什么样的。
德加的偶像安格尔曾告诉他：“你要画线条， 根据写生或记忆，画许许多多的线条，这样才能成为一名好画家。”所以即使是经历了叛逆期的德加的作品中依然会有线条的痕迹。
《等待》画面中只有两个人物，白衣的舞女低头按摩自己发痛的脚踝，旁边的黑衣女子看不到表情，目视前方，两人间并无交流；对角线式构图，人物安排在左上角，黑衣女子手中的雨伞指向右下方，将观者的视线引向空白处。大胆的构图，坚实生动的人物，饱满的背景色调，都体现出了德加的高超技艺——这些都得益于他早年接受的学院派训练和青年时期的大量素描练习。
德加《等待》
1895左右，德加性情大变。从一个闷骚文艺男青年变成了一个神出鬼没的隐士。他的舞女画背景不再限于巴黎歌剧院和练功房。
迷之树林系列
到后期，德加已经不拘泥于描绘背景的空间感和人体了。很多舞女画，鲜艳的衣服色彩，背景光亮和明暗对比早已压过了对人体的着重。很多时候人只是起一个衣架子的作用。 后期这些舞女画倒是带有强烈印象派风格。
迷之树林系列
迷之树林系列
德加艺术生涯后期作品
雕塑家德加
“做动物和人的蜡像不失为一件乐事。我不是为了偷懒不去画画，‘而是想让我的画更具有表现力和感染力，蜡像帮我记录下目标的动感。我想从各个方面展现自然及运动的奥秘，比如突出的骨节和肌肉，以及紧实的皮肉。’……雕塑是一种迫使艺术家抓住事物所有精髓的艺术。抓住凝固瞬间中的永恒。”
德加一生画了两千多幅画作，一半以上的主题是女性芭蕾舞者，不同年纪，各种场景，令人叹为观止。他还有一些芭蕾舞者的雕塑作品，最有名的是1880年完成的“十四岁的小舞者”。
德加雕塑作品 《14 岁的小舞者》 （原件为蜡像，后被做成铜雕）
画展的评论家们是一头雾水，有人批评它为“面容像猴子，用材诡异”。N年之后，这座雕像才因为传神而被后人列为经典，同时材料的拼接使用也被认可为“传统和创新”相结合的进步尝试。
玛丽莲·梦露和“十四岁的小舞者” （青铜复制品）在亨廷顿博物馆
芭蕾舞由西到东
由于普法战争和浪漫主义潮流的逐渐衰落，浪漫芭蕾在繁盛了仅仅十年之后就出现停滞枯萎的局面，芭蕾人才大量外流。复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。
18世纪初，就在法国芭蕾蓬勃发展的时候，俄国使臣在西欧初见芭蕾，惊叹于这种高雅的艺术形式，将其引入俄国，并迅速得到俄国沙皇和贵族的认可。
俄罗斯画家弗拉基米尔·古谢夫，用油画记录下了19世纪时，芭蕾舞者在教室练功的真实模样。
古谢夫笔下的芭蕾舞女
1860年，俄国沙皇拨出巨款，大力支持芭蕾艺术在本国的发展，重金聘请意大利和法国的芭蕾人才。这一时期参与佳吉列夫芭蕾舞团的画家和设计师们有很多，直接参与的有巴克斯，冈察诺娃、拉里奥诺夫、安德列·博尚、马蒂斯、毕加索 、香奈儿等。
毕加索与芭蕾的缘分也匪浅，他曾为《巡游》《三角帽》等多部俄罗斯芭蕾舞剧设计服装和舞台装饰，他的第一任妻子奥尔加·科赫洛娃（Olga Khokhlova）也是一名芭蕾舞演员。 从他画中的芭蕾舞演出服和舞女中，我们或许能见到毕加索的另一面。
毕加索 芭蕾舞女 素描
1916年，毕加索认识了达基列夫（Diaghilev），自此走进芭蕾的世界。后者是俄罗斯芭蕾舞团的创立者，他们的演出将音乐、舞蹈与舞台装饰相结合，是一项综合性艺术。之后他们便开始了密切合作，四部代表作品由此诞生：《巡游》（Parade, 1916）、《三角帽》（Le Tricorne, 1919）、《普奇尼拉》（Pulcinella, 1920）和《弗拉门戈绘画》（Cuadro Flamenco, 1924）。毕加索还为《蓝色火车》（Train bleu, 1924）创作了舞台帷幕。
毕加索为芭蕾舞剧《巡游》绘制舞台布景
毕加索为芭蕾舞剧《蓝色列车》绘制的舞台布景
Leonid Afremov，另一位俄罗斯画家，出生于1955年， 现代印象派艺术家，他的作品主要由调色刀和油彩绘制而成。
Leonid Afremov的芭蕾舞女
20世纪，芭蕾从俄罗斯传进中国，1998年，画家关则驹寻找了形象和气韵可代表东方的舞者们，创作了以中国芭蕾为题材的系列油画作品。
关则驹作品
关则驹作品
当代芭蕾的发展早已超出了古典芭蕾的范畴，它与现代舞、爵士舞等结合产生了更多的形式。和舞蹈家一样，艺术家也从更别致的角度，记录了芭蕾舞者行云流水般的身姿。“造型、线条、流畅、节奏、韵律”等诸多词汇，仿佛就是为舞蹈与绘画两门艺术相通与契合所创造。
东京艺术大学教授佐藤雅彦《Ballet Rotoscop》场景动图
这一次他没有使用墙或地板做画布， 而是用了集装箱。强烈震撼的黑和白，对比明亮的绿与红出现在集装箱上。安静的舞者仿佛笼中鸟， 孤独地坐着， 等待释放..……
法国街头艺术家JR在2014的芭蕾舞女艺术创作“鸟芭蕾舞女 （Bird Ballerina）”
法国街头艺术家JR在2014的芭蕾舞女艺术创作“鸟芭蕾舞女 （Bird Ballerina）”
德加有句名言： “艺术不是你所看到的，而是艺术家想让你看到的。”
而对于这些由艺术家们创造出来的千姿百态的芭蕾舞者，你又看到了什么呢？（文/松籽）
参考资料：《西方芭蕾史纲》、《外国舞蹈史及作品鉴赏》、edgar-degas.net
