我是摄影师陈荣辉，正在美国耶鲁大学艺术学院攻读摄影研究生。
我会每周在公号分享自己的艺术留学经历，和大家探讨影像艺术。
本周我们在进行新一届申请耶鲁摄影系研究生的面试工作，所以我们的艺术家讲座就暂停了。我在周二的时候刚刚做完crit，这周就当过年假期了。本周我想分享我认识的三个少数族裔摄影师在美国的成长路径，总说它山之石，可以攻玉，最后发现一个天上一个地下。写完稿子后发现这些同辈们实在太厉害了。当然，我们还是可以学习一些东西的。欢迎大家继续点赞、分享、打赏。
我认识的这三位年轻摄影师，都是毕业于我们耶鲁艺术学院的摄影系，年龄大约是30岁左右，他们这几年开始在美国艺术界崭露头角。分别是Elle Pérez，拉美裔跨性别摄影师，1989年；John Edmonds ，非裔酷儿摄影师，1989年；Farah Al Qasimi，来自迪拜的女摄影师，1991年。
首先介绍下Elle Pérez，她是我们上个学期的crit点评组成员之一，这样的荣誉也是证明了学校和系主任对她的认可。同时Pérez还在哈佛大学做助理教授。这在当下的国内是不可能的，你不会看到一个研究生MFA毕业的艺术家可以在清华或者北大教书。现实的情况是，要没有博士学位，国内任何二本高校都不会要研究生来当老师。回头看，国内的美院或者综合性院校招聘的都是“学术性”老师为主，对于艺术创作而言，这样的情况并不是什么好事情。
在2018年的时候，Pérez的第一个个展《盛开》在纽约著名的47 Canal画廊举办。这个画廊或许不是被国内的朋友熟知，但是在美国这个画廊享有一个美誉就是这里举办的展览都是改变艺术家地位的首个个展。对于Pérez来说也不例外，这个展览获得了极大好评，认为这些作品在摄影创作中发出了一个新的声音，也就是探索了当代身体中一些非常细微的亲密关系。
也许是《盛开》令人陶醉的开放性吸引了策展人Klaus Biesenbach，几个月后，Pérez在MoMA PS1举办了自己的首次博物馆个展。在MoMA的评论中，策展人认为Pérez的照片是一种浓缩了亲密和变化的情感时刻：一只鲜血淋漓的手放在分开的双腿之间，裸露的胸部留下的伤疤，仿佛像的一对岩石，阳光掠过朋友的脸庞。Pérez的照片并不是国内“私摄影”经常滥用的动不动就裸体，然后用一些非常夸张的动作和道具去吸引人的眼球。Pérez的镜头对于那些我们日常生活中或许真的是一瞬而过的时刻进行了挖掘。作品中的拍摄人物和创作者之间的关系是私密的，但是私密的呈现是在一种非常奇怪的公共空间里。让观众把注意力放回到图像的暗示和揭露，而不是进行某种宣判。在展览的时候，Pérez还展出了一张拼贴作品，是之前作品和各种文献材料在墙上粘贴呈现出来的画面。有点像在工作室中进行的拼贴，但是又很巧妙地把自己作品进行了展现。
紧接着，Pérez参加了2019年的惠特尼双年展，被Artsy评选为2019年度必须要知道的50位新兴艺术家，在这份榜单上的国内艺术家包括已经被高古轩代理的郝亮。然后又被《文化》杂志评选为30位值得关注的35岁以下的年轻艺术家。去年8月，公共艺术基金(PAF)推出了Pérez的第一个公共委托项目，名为“从太阳到太阳”(from sun to sun)，他们的照片被张贴在纽约市的公交候车亭上。正如PAF助理策展人Katerina Stathopoulou所说:“他们的肖像强调了每个人独特的美，以及Pérez与他们的主题之间的合作关系。”Pérez已经成为他们这一代中最有趣、最多才多艺的声音之一。” 在2020年，Pérez参加了布鲁克林美术馆的群展Nobody Promised You Tomorrow: Art 50 Years After Stonewall，接着又在匹兹堡的卡内基美术馆举办一场个人展（因为疫情调整了时间)。
有个记者问，对你来说，拍摄的过程是怎样的? 你想要把某一时刻拍下来的冲动是什么?Pérez认为有两件事同时发生才是拍摄的开始。“第一件事通常来自于冲动。第二件是通过练习。试着做一些东西，试着做出一张非常好的照片。我的具体问题是，你如何停止依赖某种书面背景? 比如如何制作一张跨性别的照片，这将在几个不同的层面上运作。我真的很想找出我在摄影中遇到的问题。我想弄清楚如何制作带有内容的图片。”
印象最深的是在一篇采访中，Pérez说在看荒木经惟的画册，里面提到的一句话觉得特别搞笑，但是又特别真诚：“如果你想改变你的生活，那就改变你的生活。如果你想换照片，你需要换相机。”
第二个摄影师John Edmonds也是当下非常火热的年轻酷儿一代艺术家。他和布鲁克林美术馆合作的项目A Sidelong Glance正在美术馆展出，这是一个非常大型的委托艺术项目，展览时间从去年10月一直持续到今年的8月。在布鲁克林美术馆外悬挂着巨大的宣传海报。对于年轻艺术家而言，这样的展示和宣传机会实在是难得。当然，他的作品也参加了上一届的惠特尼双年展，然后被纽约著名的COMPANY画廊代理，这个画廊虽然成立时间不长，但是参加的艺博会和活动都非常多，然后代理的艺术家也非常多元。Edmonds的作品已经被美国各大美术馆悉数收藏，比如旧金山的moma，费城美术馆，休斯顿美术馆等等。
在2018年的时候，Edmonds出版了一本画册《Higher》，被时代周刊评选为年度最佳画册，然后也入围了光圈出版社的年度画册奖。这本画册里面集合了这几年做的几个系列作品。在这里简单分享下。
Edmonds做的第一个项目是在耶鲁上学的时候拍摄的，这个项目叫做《帽兜》。这个项目的起源比较简单，他说在某天早上看到自己挂着套头衫在衣架上，看到上面的帽兜，总觉得有人在里面。于是他开始外出拍摄其他人的帽兜。同样的，他选择了反传统摄影的某些规则进行拍摄。比如他会选择大中午的时候去拍照，也就是在阳光非常刺眼的时刻。他想要这种光线来刻画细节。当然这个拍摄手法运用最好的是另外一位耶鲁毕业的艺术家Katy Granna。回到这个项目本身，Edmonds用了一种最简洁的意向去挑战我们的视觉。就像FT金融时报评价这组作品的时候说的，在当下的摄影，并不是关于看见，而是关于视界。摄影师能够提供什么样的观察角度比能够拍到什么更重要。这也是很好地体现了摄影师的观察能力。帽兜，刺眼的光线，然后城区房子的背景墙，简洁的画面可以讲述非常多的故事。当这些照片打印到一定尺寸的时候，作为观看的人，我们的眼睛会非常想去抓取某些信息，这个过程我觉得是当下摄影最有趣的地方之一了。
从耶鲁毕业后，Edmonds搬到了纽约的一个黑人社区生活。他描述了一个画面，有一天他去坐地铁，地铁穿行而过的时候，一个黑人的头巾在眼前飘过，他忽然意识到这种长头巾是他的关注点。于是他开始做他第二个项目durags。这种头巾在黑人社区非常流行，不管是男生还是女生都可以非常自如使用。同样地，Edmonds使用了最简洁的方法去拍摄人们戴着头巾的画面：背对着镜头的头部肖像。我们只可以看到被头巾隐藏的一个个人头。当我们无法通过图片观察到种族、年龄、性别的时候，我们观察图像的时候会观察什么呢？或许我们可以集中注意力到画面本身，与此同时让我们再次思考种族、性别、年龄等等。在展览的时候，Edmonds把这些作品打印在了丝绸上，也就是制作头巾同样的材质，效果非常好。
2018年的时候，美国国家美术馆给一位耶鲁毕业的传奇黑人摄影师Dawoud Bey（曾经获得过美国的麦克·阿瑟天才奖）做了一个大型个展，与此同时他们还邀请Edmonds在隔壁的稍小的区域里做了一个小型个展，并且邀请他到国家美术馆进行讲座和分享。我们可以看到黑人艺术家之间的强连接度和扶持。在他的分享会上，Edmonds还提到了非常多其他黑人艺术家给他带来的灵感，比如Lorna Simpson等。然后就是策展人Ashley James，也是耶鲁一位PHD，经常和他进行互动。布鲁克林美术馆的展览也是她策展的。刚刚还看到Edmonds发了一张Ashley James的肖像，因为她成为了古根海姆美术馆历史上第一位全职的黑人女策展人。然后更有趣的是，我还看到了Nancy Spector在下面祝贺James的留言。这或许就是神奇的艺术圈以及美国无解的种族问题。
在布鲁克林美术馆的项目中，Edmonds进一步关注了他一直拍摄的关于脸或者面具遮掩这样的话题。他开始使用看起来像非洲的某些面具和人物进行合照拍摄。把人作为一种静物，把静物作为一种人的拍摄是他最近的尝试。在《部落》这部新作中，Edmonds将注意力转向超现实主义如何将非洲艺术融入他们的作品。一开始是对这些参考的面具雕塑重新想象，但很快就变成了对什么使某事可信的质疑。这一系列的面具和雕塑是他从不同的人那里收集来的，但在创作过程中，一位艺术收藏家的朋友告诉他，这些并不是来自“真正的”非洲部落物品。从而让这部作品反过来思考关于身份、民族志、真实性等。拍摄的画面我们可以看到他把人物放置到静物拍摄的台子上面和面具合影，非常具有仪式感，也让我们去思考面具和肖像或者脸的关系。
最后一位是90后的来自迪拜的女摄影师Farah Al Qasimi，她本科和研究生都是耶鲁毕业，是一个真正的学霸型艺术家。Artsy 发布的2020年的全球艺术先锋榜单上，Farah Al Qasimi榜上有名。然后福布斯发布的30 under 30 艺术家也推荐了她。今年她将参加伯克利艺术馆和太平洋电影档案馆策划的一个大型展览：21世界的艺术和女性主义。不久前她获得纽约NADA Artadia奖以及5000美元的奖金，新博物馆的副策展人娜塔莉·贝尔（Natalie Bell）谈到Al Qasimi的作品时说：“她的照片看起来具有直接性，但它们在多个层面上都起作用，并且从一个非常简单的意义上说，它们都是富有寓意的。”
本科从迪拜考到耶鲁的难度实在是不小，可见Farah Al Qasimi的文化功底。当然，从迪拜到美国，她也体验到了非常多的文化冲击。迪拜的教育和我们国内类似，讲究的是上课遵守纪律，好好听老师讲课。Farah Al Qasimi说来到了耶鲁读本科的时候，她一开始非常害羞和不自在。因为她第一次体验原来上课学生可以对老师提出各种不同的看法，可以对阅读的材料提出反对意见等等。更不用说，大家上课的那种状态，自信的同时又是自由的。我刚来耶鲁的时候也是这个感受，我说我们的同学就是国内老师经常要点名批评的“坐没坐相，站没站相”的典范。
Farah Al Qasimi的作品主要是在波斯湾和美国进行创作。这些作品既有拍摄的自发的某些瞬间，也有一些摆拍的场景。Artsy在点评她做的时候认为她的影像关注了普通生活的细枝末节，洞悉了殖民主义微妙的影响力。她之前拍了一部长片《火焰之母》，讲述的就是从伊斯兰神仙的视角展开叙事，在1971年葡萄牙和英国军队撤出阿拉伯地区后，阿拉伯地区的各种变化。这部“恐怖喜剧”风格的电影仿佛是一场真人秀节目。
在2019年的巴塞尔艺术展上，Farah Al Qasimi的作品得到了官方的推荐。认为她的作品把家乡特有的新巴洛克风格室内风格，色彩柔和的绒毛和装饰品以及当地男性主义进行链接。巴塞尔的官方账号评价她作品“在Al Qasimi镜头下的房屋和物体，明亮并几乎零纹理，呈现时而显得喧嚣、时而显得治愈的丰富视觉效果。正是抢眼鲜明的颜色和所营造的模棱两可的超然感觉间的强烈对比，令她的作品如此引人入胜。”
最近她的作品《梦回迪斯科》也同时是纽约公共艺术基金(PAF)的委任项目在纽约的公共空间进行展出。这个项目在2017年的时候邀请过艺术家艾未未进行合作。Farah Al Qasimi依然用她犀利的镜头捕捉到了不一样的纽约画面。不再是那个高楼大厦的纽约，而是唐人街角落的某些细节。依然是充满着丰富的色彩和怪异的动物情节。这些画面有点类似街头抓拍，但是仔细看我们又可以发现某些构建的成分，Farah Al Qasimi就在这样的边界中反复探索。
这次是我第一次完整地看了下这三位毕业不久的耶鲁摄影研究生的履历，发现美国的艺术系统对于摄影艺术的支持是非常强大的，这也是美国整个艺术市场强大的体现。因为市场足够大，所以影像艺术可以在美国成为一种非常自由的艺术。而不是单纯的像国内依然还在努力构建“摆拍或者工作室”摄影才是艺术，纪实风格的摄影作品在美国的市场和博物馆非常受欢迎。
这个风向和当下绘画的写实性转向都有关，但是国内领域还是有些滞后性。想起国内某画廊对于旗下影像艺术家的介绍，一定要强调这是艺术家，而不是摄影师，不免有些悲哀。我们可以看到这三位摄影师其实都是用纪实性的手法在进行创作，当然其中涉及到了某些摆拍和工作室创作，但是整体风格上是一种扎实的影像。当然也和他们在耶鲁接受了一整套艺术教育流程相关，掌握了某些话语权。想起了artnet的评论家在逛惠特尼双年展的时候发现很多艺术家都是毕业于耶鲁大学，他说了这样一段话：我们可以从这份展览名单上了解到现在谁有机会接受了摄影教育，或者至少能了解到谁有机会进入耶鲁大学。对于一个在没有此类教育机会的人群中试图努力拓宽自己的摄影职业发展渠道的人来说，看到同样的一群人如此占风头是会令人难过的，但这并不奇怪。
